Какво може да предложи Националната галерия на Великобритания, когато навърши 200 години?
„Ние оформяме нашите сгради и след това те оформят нас“, каза Уинстън Чърчил за Камарата на общините. Това важи и за Националната галерия, единствената сграда, най-емблематична за британския културен живот.
Галерията празнува 200-ия си рожден ден на 10 май със стартирането на едногодишния проект NG200. Това включва хитовата изложба Ван Гог: Поети и любовници; „Триумфът на изкуството“ на Джеръми Делър, поръчка с общности в цялата страна, събираща „безброй примери на радост и изкуство в активизма“ и кулминираща в представление на площад Трафалгар; и надграждане на крилото Sainsbury — дом на ранните ренесансови картини на галерията — „за да подобрим посрещането, което предлагаме“.
От високото изкуство до настояването за приобщаване и обхват, програмата е характерна за отличителния, фин настроен балансиращ акт между приемственост и промяна, белязала историята на този музей.
„Ние имаме огромната отговорност да предадем на бъдещите поколения наследство от изключително значение – сградата и картините, разбира се, но също депозитът от знания, който идва с галерията, традицията на откритост и достъпност, усещането, че тя принадлежи на всички“, ми казва директорът Габриеле Финалди.
„По времето, когато Националната галерия е създадена през 1824 г. много европейски нации вече имаха процъфтяващи обществени художествени галерии“, обяснява той. „Националната гордост беше заложена на карта, но имаше и амбиция да се създаде институция, която да носи обществена полза.“
През 1824 г. парламентът закупува 38 снимки от имението на бизнесмена Джон Юлиус Ангерщайн, изложени в дома му Pall Mall. Тези звездни картини — основополагащият мощен портрет на Рафаело „Папа Юлий II“ (1511 г.); Бурното „Изнасилване на сабинянките“ на Рубенс (c1635-40); „Морско пристанище с качването на Савската царица“ (1648 г.) на Клод, което развълнува Търнър до сълзи — стана ядрото на колекцията на Националната галерия.
Те наистина навлязоха в публичната сфера през 1838 г., когато галерията се премести на площад Трафалгар, избраното място - срещу контрааргументите в полза на по-зелените, по-големи пространства на Кенсингтън - за достъп до всички социални класи, както от източния, така и от западния край. Тази цел беше написана в грациозно сдържаната, скромно мащабирана неокласическа сграда на Уилям Уилкинс, говореща авторитетно без сплашване. Той контрастираше рязко с автократичните конотации на европейските кралски дворци – Лувъра, Прадо, Ермитажа – вече функциониращи като национални музеи, базирани на огромни владения на принцовете.
„За да дадем на хората облагородяващо удоволствие“, викториански парламенти финансира разширяването на колекцията. Сега, наброявайки 2300 произведения, той остава по-малък от много европейски еквиваленти и не може да се похвали нито със снимки на дестинация – като „Мона Лиза“ от Лувъра (c1503-1519), „Las Meninas“ (1799) от Прадо – нито с национална идентичност, както с Холандските картини на Rijksmuseum или италианския ренесанс в римската галерия Borghese. Но плуралистичният подход към придобиванията триумфира: никоя група картини никъде не дестилира историята на западното изкуство с такова майсторство и чар.
Какво може Националната галерия, тази културна ценност, вкоренена в Просвещението и викторианските идеали за социален прогрес, предлагат на Великобритания и на света, когато навлиза в своя трети век? Търсенето и разбирането на изкуството е безкрайно по-сложно, отколкото през 1824 г., създавайки четири ключови предизвикателства. Първо, въпреки че ренесансовата живопис остава в сърцата на любителите на изкуството - най-посещаваното шоу в галерията е Леонардо да Винчи: Художник в двора на Милано (2011), с 320 000 посетители; най-гледаните онлайн произведения са „Портретът на Арнолфини“ на Ван Ейк и „Посланиците“ на Холбайн (1533 г.) — това, което съставлява визуалното изкуство, сега е по-голямо нещо, достигащо отвъд стените и галериите, както демонстрира поръчката на Делер NG200.
Второ, изкуството действа в глобален, а не в национален контекст; конкуренцията за придобиването и излагането му идва от всички континенти. И все пак във Великобритания също има натиск за децентрализация; регионалните английски галерии са по-слаби от тези във Франция, Италия и Германия. Трето, милиони повече хора се сблъскват с шедьоврите на галерията виртуално, отколкото в действителност.
Отчасти в резултат на това броят на личните посетители наскоро е намалял наполовина — от 6 милиона през 2019 г. на 3 милиона през 2023 г. По-конкретно, Finaldi признава, „пандемията остави ни в криза . . . и донесе със себе си значителни промени в живота и навиците на хората . . . Искаме да ни възприемат като галерия за нацията . . . Това означава да преосмислим нашите програми, къде фокусираме нашите изследвания и начина, по който взаимодействаме с хората.“
Един от отговорите е да отнесем изкуството към хората, вместо да привлечем хората към изкуството. От Ботичели до Ван Гог, турнето на галерията в Шанхайския музей през 2023 г., беше най-посещаваната специална изложба досега — 420 000 посетители. Що се отнася до изравняването, Art Road Trip на NG200 ще изпрати дузина основни картини. „Вечерята в Емаус“ (1601) на Караваджо отива в Белфаст, показан заедно с филмите на Корнелия Паркър. Голата „Венера Рокеби“ на Веласкес (1647-51) посещава Ливърпул за изложба, „предизвикателна за традиционните четения, като я поставя редом с произведения на изкуството от жени и небинарни художници“. Танцовата компания Junk Ensemble приветства „Автопортрет като Света Екатерина Александрийска“ (c1615-17) на Артемизия Джентилески в Бирмингам, като изпълнява картини, отразяващи нейни композиции.
Такива начинания демонстрират четвърто, скорошно сеизмично предизвикателство: условия на джендър политика избор на куратор. Знаменателна точка беше закупуването през 2018 г. на завладяващия „Автопортрет“ на Джентилески, ключов за трансформирането на предположенията за приноса на жените от Ренесанса.
Само 21 картини в Националната галерия са на жени — удивително малък брой, дори като се има предвид, че Колекцията неизбежно отразява историческото мъжко господство. Как да се противопоставим на това? В две пионерски изложби през 2023 г. жените преосмислиха патриархалните разкази на историята на изкуството. Паула Рего: Градината на Кривели показа нейния огромен стенопис с женски фигури, някои моделирани по служители на галерия, представящи съвременни истории за майчинство, образование на жените, приятелство и правене на изкуство, вдъхновени от „Благовещението“ и „Мадоната на лястовицата“ на Кривели.
В Nalini Malani: My Reality Is Different самозваните „ограбващи или оскверняващи“ филми на родения в Карачи видео артист наслагват изображения от стари майстори с подкопаващи анимационни фигури, критикуващи расизма, женомразието и мъжкия поглед в картини, включително Сексуалната „Алегория с Венера и Купидон“ на Бронзино (c1545) и „Семейството на Дарий преди Александър“ (1565-7) на Веронезе, разказваща нашествието на гръцкия воин в Азия. Мислех, че произведението на Малани е заядливо, детско, но аплодирам Съвременната програма, която кани живи художници да откликнат на колекцията.
Освен дом за красиво изкуство, Финади иска галерията да бъде някъде, където хората „идват и мислят за големите въпроси на нашето време и за това как настоящето е свързано с миналото”. „Градината на Кривели“ ни помага да направим това. До настоящата реконструкция висеше в ресторанта; плановете за това са несигурни, но когато преконфигурираното крило Sainsbury Wing се отвори отново през 2025 г., 10-метровият стенопис на Рего трябва да бъде изпъкнал и издръжлив.
Архитектурният историк Джон Съмърсън веднъж оприличи фасадата на Уилкинс с малкия купол и кули на „часовник и вази върху полицата над камината“; домашната алюзия, предназначена критично, загатваше как у дома се чувстват посетителите тук. За два века тази сграда и нейният декор, както и нейните колекции, са приветствали толкова много разнообразни индивидуални приноси - разкошната анфилада от галерии на Едуард Бари около Октагоналната стая (1876 г.); Деко подови мозайки на Борис Анреп с участието на Вирджиния Улф и Бертран Ръсел като музи; крилото Sainsbury (1991), все още обсъждано като компромисен пастиш или постмодерна икона. Какъв великолепен палимпсест на британския вкус, адаптивност и кооперативна енергия — непрекъснато развиваща се история за това какво могат да бъдат изкуството и музеят.
