Тъй като модата се превръща в улично облекло, музеите го последваха

Когато Бруклинският музей в Ню Йорк провежда The Rise of Sneaker Culture, галерия, отдадена на маратонките през 2015 година, това повдигна някои вежди. Музеите на изкуствата към този момент все по-често проведоха фешън изложения, само че маратонките бяха друга история.

„ Интелектуално леки “, разяснява New York Times в рецензията си, която приключва със следното наблюдаване: „ Кецовете на маратонки евентуално няма да разум обаче. За тях изложбата би трябвало да е котешка трева. “

Докато музеите се борят за културна значителност и по-млада, разнообразна аудитория, те са прегърнали всички форми на поп културата, в това число модата, заличавайки границите сред изкуство, забавление и търговия. И защото модата се трансформира в по-голяма част от уличното облекло - маратонките и качулките към този момент са постоянна част от асортимента на множеството марки - същото се случи и с музеите. Откриването идващия месец в Музея на дизайна Vitra във Вайл ам Рейн, Германия, да вземем за пример, е Nike: Form Follows Motion, първата в историята музейна галерия, отдадена на марката, обхващаща нейния напредък от елементарен стартъп до международен феномен на спортното облекло.

Когато националните художествени музеи стартират да се образуват през 19 век, техният мандат е да назидават публиката. Изкуството се възприема като израз на национална горделивост и един от крайъгълните камъни на цивилизацията, с чиято отбрана са натоварени музеите. Днес сходни показа наподобяват извънредно странни.

Когато общественото финансиране стартира да пресъхва през 60-те години, музеите на изкуството бяха принудени да търсят нови форми на вливане на капитал. Привличането на нова аудитория посредством експонати, които радват тълпата, стана основно.

През 1963 година тълпи от фенове се спуснаха в Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк, с цел да видят „ Мона Лиза “, заета от Лувъра. Наляха пари и други музеи взеха под внимание. Както изкуствоведът Робърт Хюз отбелязва в своя документален филм от 2008 година „ Проклятието на Мона Лиза “, „ Хората идват не да го гледат, а да кажат, че са го виждали “. Както и да е, изложбата счупи всички върхове по посещаемост и ги задържа до 1978 година, когато Метрополитанът сложи друго поп транспортно средство, Съкровищата на Тутанкамон.

Изложбата на японския художник Такаши Мураками в Бруклинския музей през 2008 година беше друга алегоричен миг. Негов главен спонсор беше Louis Vuitton, чийто креативен шеф по това време Марк Джейкъбс си сътрудничи с Мураками върху сбирка от чанти. В подмяна на своята благотворителност някои от тези чанти бяха изложени в музея - не в неговия магазин, а дружно с изкуството на Мураками. За да означи старта, Louis Vuitton провежда празненство на територията на музея, което спорно включваше макетна версия на Canal Street в китайския квартал, където присъстващите можеха да пазарят същински чанти LV, като че ли са подправени. 

Днес модата се е трансформирала във форма на развлечение, с хитови ревюта, привличащи десетки звезди, чийто фешън избор е безпределно оценен от интернет мненията. И накъдето отива поп културата, отиват и музеите за изящни изкуства.

Критиците на изкуството може да се присмиват на стилните изложения, само че те притеглят посетители; върхът за посещаемост, който изложбата на Крал Тутаншия държеше в продължение на 39 години, най-сетне беше строшен през 2018 година от Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination. Според Met, пет от 10-те най-посещавани експоната в историята на музея са били сложени от неговия Институт за костюми, който се концентрира върху модата и дизайна на костюмите.

Музеите през днешния ден се нуждаят от цялата аудитория, която могат получи. Според Наташа Деген, създател на Merchants of Style, книга за пресечната точка на изкуството и модата, музеите на изкуството в този момент би трябвало да се конкурират освен между тях, само че и с мега-галерии като Gagosian, музеи, издигнати от фешън марки като Fondation Louis Vuitton и Fondazione Prada и разнообразни „ потапящи “ експонати. Може би те също гледат на музеи, отдадени на дизайна, където стилните експонати имат повече смисъл, също като съперници. 

Не че музеите нямат посетители; съгласно Американския алианс на музеите в Съединени американски щати музеите получават повече гости от всички спортни събития взети дружно, само че малко от тях са млади и от малцинствен генезис. Доклад от 2010 година, поръчан от Центъра за бъдещето на музеите, проучвателен клон на Американската асоциация на музеите, демонстрира, че до момента в който малцинствата съставляват 34 % от Америка, единствено 9 % от тях посещават музеи. От тях латиноамериканците и чернокожите бяха изключително едва показани.

Музеите се надяват да разширят демографията на посетителите на музеите с изложения, отдадени на маратонки, дизайнери на улично облекло и художници, близки до уличното облекло. Бруклинският музей, прочут с чантите LV, поведе пътя. В допълнение към The Rise of Sneaker Culture през 2015 година, той изнесе представления като KAWS: Какво празненство през 2021 година, включващо набор от творби на графити, трансформирал се в елегантен художник, и Върджил Абло: „ Фигури на речта “ в 2022 година, която наблюдава дъгата на многостранната кариера на починалия дизайнер.

Днес, експонати, насочени към улично облекло, пътуват из Съединени американски щати. Изложбата Abloh, която произлиза от Музея за модерно изкуство в Чикаго (MCA) през 2019 година, пътува до Atlanta High Museum, преди да се озове в Бруклин (и в последна сметка пътува до Доха в ОАЕ). Изложбата Sneaker Culture пътува и до Atlanta High, където през 2017 година беше хазаин на апаратура от Даниел Аршам, интериорен дизайнер, трансформирал се в художник, желан в кръговете на уличното облекло, придобил популярност с проектирането на интериори за Kith, нюйоркският магазин за улично облекло. Миналата година Музеят на изкуствата Ориндж Каунти в Южна Калифорния направи друга галерия в Аршам.

Фигури като KAWS, Аршам и Мураками са образци за авторитетни персони, занимаващи се както с мода, по този начин и с изкуство, които се харесват на по-широка аудитория като в същото време имат културната легитимност, която разрешава на музеите да отклоняват обвиняванията в занижени стандарти. 

Дали маратонките принадлежат към музей на изкуството или не, може да бъде предмет на спор, само че фактът, че притеглят гости, не е подобен. Madeleine Grynsztejn, шеф на MCA, удостовери, че шоуто Abloh е третата най-посещавана галерия в историята на музея. Първият беше този на Мураками, вторият на Дейвид Бауи, съгласно музея.

Шоуто на Abloh пристигна и с огромна доза артикули, които Abloh създаде за магазина на музея, което за някои провокира по-голям интерес в сравнение с самата галерия и оказа помощ за попълване на крайния резултат на MCA. „ Границата сред търговията и изкуството постоянно е била тънка “, споделя Гринстейн. може би Но какво да кажем за границата сред изкуството и развлечението?

„ Музеите описваха задачите си като бранене и поддържане на културното завещание “, споделя Деген. „ И в този момент множеството музеи дефинират задачата си като привлекателна за публиката. “ Нещо, за което да си помислите, когато стоите на опашка, с цел да видите костюмите на Тейлър Суифт в Музея на Виктория и Албърт в Лондон.

е в Музея на дизайна Vitra от 21 септември до 4 май 2025 година и по-късно пътува

Регистрирайте се за вашия седмичен бюлетин с най-новите истории със жанр. Следвайте в Instagram и се абонирайте за нашия подкаст, където и да слушате