Тези скулптури промениха това, което би могло да бъде изкуството, а след това промениха себе си

Ева Хесе, германоамериканската художничка, искаше работата й да наподобява „ грозна “ и надлежно доста от нейните статуи могат накарайте кожата си да настръхне. Те се държат като самата кожа: неправилна текстура, техните скалисти гънки подсказват, изнервящо, нещо живо.

Хесе, пост-минималист от 1960-те (тя умря през 1970 г.), разглоби идеологическото скеле, поддържащо това, което се смяташе за изкуство, постоянно посредством преосмисляне на индустриални, нехудожествени материали. Но до момента в който другите в това придвижване използваха корав и неопределен шперплат и стомана, Хесе предпочиташе свободни, постоянно безредни конфигурации от каучук, латекс и фибростъкло, неща, които придаваха на нейните статуи човещина и смекчаваха твърдите очертания на минимализма.

Висцералните части, които тя направи, бяха като психологични карти, капещата смола от приключване на нейните форми внушаваше контузията и парадокса на живота. Те се разстилаха по пода и пълзяха по стените, непокорни и неучтиви, каквито малко изкуство беше виждало преди. „ Всичко, което желаех, беше да намеря своя лична сцена – мой личен свят “, сподели Хесе. „ Вътрешен мир или вътрешен ужас, само че желаех да бъде мое. “

Пет от тези статуи от латекс и фибростъкло, изменящи това, което би могло да бъде изкуството, бяха събрани още веднъж за за първи път от повече от 35 години във въздействаща галерия в Hauser & Wirth в Манхатън, която затваря на 26 юли. Тяхната завист единствено се ускори: латексът загуби еластичността си, цветът им се окисли до дълбока наслойка. Предоставено им е задоволително място за дишане в приземния етаж на галерията, хладно и едва осветено, което придава заживяващ, гробничен привкус. Това, че те въобще съществуват, като се имат поради свойствата на гримовете им да изчезнат, е малко знамение. Това, че са дружно, резултатът от пет обособени институционални заема – от Guggenheim, MoMA, Glenstone в Мериленд, Центъра за изкуства Wexner в Държавния университет на Охайо и Университета на Калифорния, Музей на изкуствата Бъркли – е логистичен героизъм евентуално е допустима единствено за толкоз мускулна интервенция като тази на Hauser & Wirth: Галерията показва имението на Хесен, само че даже и тя не може да се хареса на Центъра Помпиду в Париж, който отхвърли да реалокира „ Без заглавие (Седемте полюса) “ от 1970 година, последният работа, осъществена от Хесе.

Йозеф Алберс, макар че отхвърля съвсем цялата си доктрина за метода, по който хората виждат цвета: „ Ще изоставя рестриктивните мерки “, написа тя в дневника си. „ Ще рисувам срещу всяко предписание, което аз или други невидимо сме сложили. “

Тя се омъжва за скулптора Том Дойл и през 1964 година го съпровожда в резиденцията му в текстилна фабрика в Германия. Едва тогава тя съумя да реализира спонтанността и свободата в работата си, които й убягваха. Стана по-странно и смешно конфронтационно: психосексуални релефи, калдъръмени от части изоставени машини, завършени в издатини на гърди и гениталии; делириозни рисунки на форми човек-машина, които сблъскват синтетичното и органичното.

“Repetition Nineteen I ” (1967) прави това. Първата от трите версии, направени от Хесе в продължение на 10 месеца, се състои от 18 сходни на кофа форми (една беше изгубена, което уместно разочарова заглавието). Никой не е еднакъв, нито Хесе е предписал избран ред. Нейният производител в началото създава 19 съвършени форми, които тя отхвърля и преработва сама, търсейки „ нещо с живот “. Те са обезоръжаващо шантави, като че ли са били пробити в червата, натрапчиви мисли в папиемаше. Повторението за Хесе е екзистенциално Бекетово: „ Ако нещо е неуместно, то е доста по-преувеличено, по-абсурдно, в случай че се повтаря. “ Но повторението може да бъде и утешение, декламиране на разтуха и разтуха.

„ 9 в Лео Кастели. “ „ Augment “ предлага 17 листа гумирано платно, разпръснато на пода, припокриващо се, само че последователно изложено. „ Aught “ носи „ Augment “ на стената, окачено на четири сегмента два листа гумирано платно, прикрепени по краищата и набъбнали с полиетиленови останки — окачване сред картина и статуя.

„ Разширено уголемение “ (1969). Той е най-стряскащият, освен поради мащаба си - над 10 фута висок и 30 фута необятен - само че и поради метода, по който е стар. Когато беше изложен на групова галерия в Whitney, той беше мръснобял, а гумираните му тензухени панели се спускаха каскадно като меко драпирани пердета. Гледан единствено за повторно от 35 години, в този момент е оранжево-кафяв от корав кехлибар, а драпировката му е изцяло опъната (видео на героичния развой на реституция на Гугенхайм дава добра визия за прогресията). Това е напълно друго произведение на изкуството; където меховете му в миналото са били гъвкави, в този момент наподобяват на белези. Но позата му остава примамлива както постоянно. Подпрян на стената, той е по едно и също време спокоен и отпаднал.

Като се има поради неговата чупливост и намаляваща дълготрайност на живота, всяко последващо проявление на работата на Хесе е евентуално последното. Времето е част от договорката. Хесе знаеше това. „ Животът не трае; изкуството не трае “, написа тя. Нейното произвеждане беше изумително свито - дейно четири години - и изобилието му е осезаемо. Силата му идва от знанието, че сходно на нас ще се разпадне и че тя по този начин или другояче ги е основала.

Ева Хесе: Пет статуи

До 26 юли, Hauser & Wirth, 542 West 22nd Street, Manhattan, 212-790-3900; hauserwirth.com.